Le Carrosse d’or
de
Jean Renoir
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Placer, le dernier soir d’une programmation
consacrée à « cinéma et vérité
», Le Carrosse d’or de Jean Renoir, c’est conclure
par le film qui pose le plus la question de l’artifice.
C’est aussi rendre hommage à un des maîtres
constamment cités par les cinéastes dont nous avons
vu le travail. Une remarque de Serge Daney à propos de
Jacques Rozier reliait d’ailleurs ainsi Renoir et Bresson
aux générations de cinéastes français
qui leur ont succédé : « Comme tous les cinéastes
qui héritent à la fois de Renoir (pour le théâtre)
et de Bresson (pour la haine du théâtre) [il] sait
que le continu du film (le film) est fait de la somme des intermittences
des personnages. »Jamais autant que dans Le Carrosse d’or,
tourné en 1952, il n’a rendu la référence
aux feux de la rampe aussi manifeste. Par le sujet d’abord
: au xviii e siècle, une actrice italienne vient avec
une troupe de commedia dell’arte divertir les colonies d’Amérique
; là, elle hésite entre trois soupirants, le vice-roi
d’Espagne, un toréador et un aventurier tiers-mondiste
avant l’heure. Présent par le sujet, l’univers
du théâtre l’est plus encore par le traitement
: encadrement du récit par l’ouverture et la fermeture
d’un rideau sur un décor de grand escalier, frontalité
systématique dans la construction des plans pendant tout
le film : « En principe, précise le cinéaste
pour le Carrosse, il n’y a pas de contre-champ […]
; le style consiste à placer la caméra face à
la scène et à tourner. »Autant Bresson fuit le théâtre
comme le montrent les disjonctions qu’il opère même
sur les corps filmés, autant Renoir paraît traiter
avec le plus grand scrupule l’intégralité
du lieu théâtral. Mais ce scrupule, d’être trop poussé, se colore lui aussi d’ironie. |
L’intermittence des personnages, l’intensité
variable de leur persona ne se sépare donc pas d’une
mise en crise de la scénographie classique qui, elle,
cherche toujours à suturer l’espace en le filmant
dans des axes multiples. |
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